Chanter en bougeant : pourquoi Garou peut le faire (et comment y arriver)

Lorsqu'on apprend le chant, il est recommandé de rester bien immobile : c'est l'idée de se stabiliser et d'établir une structure, un instrument. Mes élèves travaillent souvent dans une position fixe, et la même question revient régulièrement : c'est bien beau de fixer son instrument, mais comment faire pour bouger sur scène ? Pour interpréter une chanson, il faudrait alors rester droit comme un piquet jusqu'à la fin ?

Il y a en apparence une contradiction, et c'est une très bonne question. Comme souvent dans le chant, la réponse est contre-intuitive : en réalité, plus vous voulez devenir libre sur scène, plus vous devez, dans un premier temps, vous réunir, vous concentrer et ne plus bouger.

Demander de rester immobile peut sembler absurde : un chanteur n'est pas un bloc, un poteau. Il doit vivre, s'exprimer, occuper l'espace. Mais avant de chercher à exprimer quelque chose, il faut construire l'instrument — et cet instrument, c'est tout le corps, des pieds jusqu'à la tête, avec toutes ses composantes qui s'assemblent les unes aux autres. Tout doit fonctionner ensemble : cela doit devenir une véritable structure, un peu comme un squelette parfaitement assemblé et coordonné, qui devient la base de tout le reste.

J'aime utiliser la parabole du soudeur. Imaginez un soudeur qui assemble deux morceaux de métal : il fixe la soudure, mais si l'on tire dessus avant que ce soit terminé, tout casse — la construction n'était pas prête. C'est exactement la même chose pour un chanteur. Beaucoup veulent trop vite vivre pleinement leur chanson : dès qu'on l'aborde en cours, certains commencent à marcher, à regarder partout — et dès que le corps bouge, l'équilibre se défait, le souffle devient aléatoire, il n'y a plus vraiment d'appui.

Est-ce le mouvement lui-même qui pose problème ? Non : le problème, c'est la construction. Si elle n'est pas allée jusqu'au bout, chanter en bougeant défait l'instrument. Mais lorsque la soudure a bien pris, les deux morceaux tiennent ensemble quoi qu'il arrive — et dans le chant, c'est pareil : une fois la structure bien fixée, on peut bouger, faire des mouvements, exprimer, sans que la structure soit remise en cause.

Regardez la chanteuse Pink : elle réalise, en concert, des acrobaties impressionnantes, parfois suspendue la tête en bas. Quelles que soient les circonstances, elle maintient sa structure interne, et son chant se déploie sans aucun souci — parce que son instrument est déjà bien construit. Les mouvements, même spectaculaires, ne remettent pas en cause cette structure ; ils incitent au contraire à aller plus loin dans sa construction, avec une concentration très forte sur la stabilisation du corps et de la voix.

C'est la même chose pour Garou dans le rôle de Quasimodo, dans Notre-Dame de Paris : il chantait constamment voûté, penché en avant — une position qui, en principe, handicape le chant. Mais chez lui, le squelette, la structure, était si bien établi que même penché, la voix sortait de manière fluide et puissante. Sa verticalité intérieure se maintenait, quand bien même son corps était complètement penché.

La logique est la même pour vous. Repensez à la soudure, aux éléments qui tiennent ensemble : si vous bougez, vérifiez si les différentes parties de votre corps restent coordonnées. Si vous sentez une dissociation, que vous n'êtes plus uni, c'est le signe qu'il faut revenir à l'immobilité et insister sur l'exercice jusqu'à ce que le corps soit bien établi. Quand vous recommencerez à bouger, vous sentirez que la structure tient et que les éléments restent coordonnés. Comme pour Pink ou pour Garou, adopter des positions a priori inconfortables — par exemple chanter couché, là où il n'y a plus d'appui habituel — permet de vérifier si la voix continue de se déployer correctement, et d'aller plus loin dans cette recherche.

Sur la vocalise « yé yi you ya », partez d'une stabilisation immobile : prenez un grand inspire, restez en apnée quelques secondes. Quand vous arrêtez de respirer, le corps se réunit, se rassemble — essayez de maintenir cette sensation de cohésion et d'unité. Relâchez l'apnée en gardant cette structure, puis chantez la vocalise : la voix tient, reste stable.

Le vrai test vient ensuite : reprenez la même respiration, la même apnée, ressentez à nouveau cette unité, puis chantez la vocalise en faisant cette fois différents mouvements. Si la structure établie pendant l'apnée n'est pas perturbée par le mouvement, la voix continue de fonctionner normalement. Si au contraire tout se défait pendant que vous bougez, c'est que la construction n'est pas encore prête — il n'y a pas encore cet axe, cette tenue.

On croit souvent que la technique est une contrainte, et que rester immobile serait une sorte de punition. C'est en réalité l'inverse : plus vous êtes stable et immobile dans l'apprentissage, plus votre structure devient solide, et plus cet ancrage s'établit en profondeur dans le corps. C'est depuis cette base que l'on récupère une véritable liberté — au point d'oublier la structure elle-même, parce qu'elle est devenue vous-même.

Ma recommandation n'est donc pas tant de rester immobile : c'est de construire quelque chose qui reste stable durablement. Vous pourrez alors exprimer votre chant avec tous les mouvements et déplacements que la scène demande.

Pour pratiquer cette vocalise avec un fichier audio, en vous déplaçant dans une pièce, vous pouvez télécharger ma formation gratuite.